華格納：音樂用理想的紐帶結合人類 (02/13)
作者｜致寧
1883年2月13日，德國作曲家華格納（Richard Wagner）在威尼斯旅遊期間心臟病發逝世，享年69歲。華格納在西方音樂史的地位舉足輕重，他上接莫扎特的歌劇傳統，下啟浪漫主義歌劇浪潮，將德國歌劇藝術推向高峰，可謂德國歌劇的一代宗師。他撰寫歌劇中的文字和音樂，開創「樂劇」（music drama）的概念，前所未有地結合音樂和戲劇兩種藝術，同時在舞台統一調度詩歌、音樂和戲劇，貫徹其「全面藝術」（total work of art）的美學理念，用今日的術語來講，他就是十九世紀的多媒體藝術家。他曾說過：音樂用理想的紐帶把人類結合在一起。
別以為華格納對後世的影響力僅限於古典音樂圈，他風格特殊的創作就影響到荷里活電影的配樂。直接引用華格納音樂的著名電影就有《現代啟示錄》（Apocalypse Now）。戲中的美軍進攻越南村落時，用直升機喇叭播放《女武神騎行》（Ride of the Valkyries），意圖用雄糾糾的華格納音樂震懾敵方軍心。導演哥波拉選用此曲當然別有用心，事關納粹德國就經常替政治宣傳片的轟炸畫面配上此曲，自此這段旋律就背負一股懾人魔性。
《現代啟示錄》一幕：
此外，華格納的創作方法論對電影配樂也有重要影響。著名例子就有《星球大戰》（Star Wars）系列的配樂。電影配樂家約翰．威廉斯（John Williams）重新發現了華格納歌劇的「主導動機」（德：Leitmotiv）概念，創作一系列的主題旋律。所謂「主導動機」，就是一組反覆出現的短小樂句，每當劇中某角色、地方或者意念出現，這樂句就隨之奏起，藉此將觀眾的聽覺記憶連繫到他對某事物的情緒。《星戰》配樂之所以叫人印象深刻，究竟原因就是成功運用「主導動機」牽引觀眾情緒。譬如過耳不忘的主旋律是專屬於主角Luke Skywalker的樂句，每次電影開場奏起，就像為英雄吹響勝利的號角。不過，成功掌控觀眾的情緒是否就是好的配樂或藝術？阿多諾在《追尋華格納》（In Search of Wagner）中就批評「主導動機」將情感機械化，運用在電影配樂中，就只有宣佈英雄出場或為鋪墊某場面的功用，使觀眾被動地代入到電影預設的情緒。
即使沒有阿多諾的批評，華格納也有使德國人尷尬的一面。他是德國納粹黨最喜愛的作曲家，希特拉在演說中就曾讚譽華格納音樂彰顯了「德意志的英雄本質」。甚至有說他的音樂曾被視為「民族音樂」並在達豪集中營播放，從而對政治犯作「思想教育」。當然華格納當時已不在人世，但對於其美學觀念對納粹主義有多少影響，歷來爭議不斷。他是公開的反猶太主義者，其歌劇也有呈現歧視猶太人的刻板形象。
尼采宣佈與華格納痛苦絕交以後，除了宣稱華格納是他的一場大病，也說過其音樂過分沉溺於反猶太主義思想。遺憾的是，不論是尼采的「超人哲學」抑或華格納的「英雄歌劇」，都躲不過被納粹黨挪用為政治宣傳工具的命運。總之，他是西方音樂史最具爭議性的人物。
尼采宣稱華格納是他的一場大病，更出版一本小書《華格納事件》，批評他的音樂並不肯定生命，而是在歐洲散播的頹廢疾病。（連結：尼采Events）
華格納的歌劇人生
1813年5月，華格納在德國萊比錫出生。六個月後他的父親就因病離世，他的繼父就是一名演員和劇作家。受其繼父影響，華格納從小就培養出對劇場的濃厚興趣，他有時也在父親的戲劇客串演出。他兒時就讀德勒斯登的寄宿學校，其時還未展露任何音樂天分，他的鋼琴老師甚至說他會「以可惡的方式折磨面前的鋼琴」。
九歲時，華格納看過韋伯（Carl Maria von Weber）親手指揮的代表作《魔彈射手》（Der Freischütz），從此燃起他對歌劇的熱情。四年後他就寫出第一個劇本，靈感來自模仿莎士比亞悲劇。他決心要為劇本配上音樂，但一直沒有受過學院音樂訓練。十八歲那年他進入萊比錫大學修讀作曲，其後經哥哥介紹，到維爾茨堡歌劇院擔任合唱指揮，並創作第一部完整的歌劇《仙女》（The Fairies），一部模仿韋伯歌劇的作品。
累積劇場經驗多年後，華格納的劇作《萊恩濟》（Rienzi）在1842年於德勒斯登劇院上演並大獲成功。劇本主角萊恩濟是14世紀一位羅馬護民官，講述他帶領民眾反抗權貴的故事。當時德國民眾的反封建情緒高漲，這套大型史詩鉅作正好引起廣大觀眾共鳴，華格納在德國也一炮而紅。
成名以後，華格納接連創作出《漂泊的荷蘭人》（The Flying Dutchman）、《唐懷瑟》（Tannhäuser）和《羅恩格林》（Lohengrin）等廣受好評的劇作。籌備羅恩格林的演出之時，適逢1848年革命爆發，華格納也逃亡到蘇黎世。自50年代起，他受到叔本華意志哲學的影響，認為《世界作為意志及其表象》的世界觀與他的藝術帶有相似性，他後來也承認閱讀叔本華哲學是他人生的轉捩點。此後他的作品日漸遠離當初反封建的革命思想，走向悲觀厭世的一面。
其中一部瀰漫悲觀主義情緒的名作就是《崔斯坦與伊索德》（Tristan und Isolde），該劇取材自中世紀騎士的愛情故事，貫穿全劇的是黑夜、毀滅和死亡等主題。此劇的音樂特色是有大量細膩的半音變化和無窮無盡的變調，藉此表現愛欲不斷帶來的痛苦和絕望。1865年《崔斯坦》在慕尼黑首演，尼采也沒有觀賞過現場表演，但他和朋友找到歌劇的鋼琴譜，並讚歎華格納的音樂是「屬於未來的音樂」。後來，華格納和這位比他小廿三歲的古典學學者建立友誼，而尼采在《悲劇的誕生》也讚揚華格納音樂是對抗蘇格拉底理性主義的新希望。1876年第一屆拜魯特音樂節（Bayreuth Festival）舉行，華格納的大作《尼伯龍根的指環》（Der Ring des Nibelungen）就是開幕首演的重頭戲。尼采也在此時和華格納徹底決裂，尤其討厭華格納大力鼓吹「德意志文化」和沉醉基督教教義。尼采往後也出版一本小書《華格納事件》，批評他的音樂並不肯定生命，而是在歐洲散播的頹廢疾病。
華格納的最後一部歌劇《帕西法爾》（Parsifal）就充斥著基督教的主題，戲劇所歌頌的禁慾主義，與叔本華對意志的解脫之道如出一徹。當然尼采痛恨這種違反人性的思想。《帕西法爾》首演一年後，華格納就與世長辭了。
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